Los adelantos técnicos alcanzados en el cine han transformado su narrativa y su propia estética. Hoy todo es posible. Aparte de los tradicionales filtros, trucos de iluminación o sets que simulan locaciones, se han unido los efectos especiales y la edición en computador que hacen posible llevar a la pantalla cualquier cosa que se imagine por más fantástica que ella sea. Empero, su abuso muchas veces ha convertido estos medios en fines en sí mismos, colocando la historia en un plano secundario.

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Dirigida por Thomas Vinterberg, esta es la primera película de Dogma 95 y quizás la mejor película del movimiento. Galardonada en Cannes (1998) en la categoría Premio del jurado, es una crítica a la sociedad danesa, a la hipocresía de sus élites, al mundo perfecto que se proyecta al exterior, mientras en su interior subyacen vicios, temores, frustraciones, abusos, discriminación, que todos quieren ocultar bajo el disfraz de la opulencia.

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Locaciones imponentes, trajes milimétricamente diseñados, infinidad de detalles glamorosos y, por supuesto, una fotografía cuidadosa y una banda sonora estilizada, le dan vida a otra historia cinematográfica inspirada en la nobleza inglesa. Basada en la premiada biografía Georgiana, Duquesa de Devonshire de Amanda Foreman, esta película escrita, dirigida, interpretada y producida por ingleses, evoca la industria del heritage cinema que surgió en la década de los años ochenta y proveyó de grandes éxitos comerciales a la Gran Bretaña.

Dentro de este tipo de películas en las que predominan las descripciones de trajes, arquitectura y modo de vida de épocas pretéritas de la Inglaterra colonial, son especialmente recordadas las adaptaciones de las obras literarias de E. M. Foster como Habitación con vista (A Room with a View, 1985) y Maurice (1987), realizadas por el ya octogenario James Ivory, asimismo autor de Lo que queda del día (The Remains of the Day, 1993) y Howards End (1992).

La Duquesa (The Duchess, 2008), como todos estos filmes, evidencia con esmero el esplendor visual del pasado pero termina por ser un relato simple y predecible, por eso es ante todo una película bella, agradable a la vista, pero que no conmueve. Pareciera que tanto el joven director Saul Dibb como el experimentado reparto, e incluso las productoras Pathé y BBC, reprodujeron nuevamente los aspectos más románticos e idealizados del estilo de vida inglés, que ha sido una de las características de este tipo de producciones, pero desperdiciaron la trágica y robusta historia de la verdadera Georgiana Spencer.

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Pensaba escribir sobre Usted, Maestro Benedetti, el hacedor de utopías y conspirador de sueños, el desmitificador de los dioses humanos y divinos que nuestra soledad construye a diario y multiplica como si se tratara de panes evangélicos.

Pero un desliz me obliga a serle infiel transitoriamente. Se trata de una película que no tiene nombre de pila bautismal, sino de ciénaga y piquería, de pactos sagrados y lenguas ancestrales, de un universo mítico que de tanto visitarnos se quedó a vivir entre nosotros, de herencias que ni siquiera el tiempo puede quebrantar.

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Cuando comenzó el BAFICI (Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente), edición 11 (2009), y supe que trabajaría dentro del staff, inmediatamente me interesé por ver cuáles y qué tipo de realizaciones colombianas participarían. Con cierto aire competitivo, miré como se mostraban nuestras producciones en relación a otros países latinoamericanos. Y como era de esperarse, eran pocas las películas participantes y pocos los invitados.

A veces, pensaba yo, parece necesaria una cierta distancia “objetivadora” que permita renovar el interés por ciertas realidades. A mí por lo menos me pasó, comencé a interesarme más por mi país estando fuera de él.

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Con un lenguaje que mezcla el documental con la ficción, la película (Milk, 2008, dirigida por Gus Van Sant) recorre la década de los setenta que marca el inicio de la lucha de la comunidad homosexual por el reconocimiento de sus derechos como ciudadanos estadounidenses, encabezada por Harvey Milk, primer homosexual en llegar a un cargo de elección popular: concejal de San Francisco, California.

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Los valores son el sostén de cualquier sociedad, incluso de la estadounidense que los tiene muy particulares: la defensa propia, el moralismo a ultranza y el porte de armas. La última frontera de un habitante del sueño americano es su patio de BBQ y allí cualquier intruso puede perder la vida con tan sólo pisar el césped.

Charlton Heston, el inolvidable Ben Hur, presidió durante varios años la Asociación Nacional del Rifle, que defendía el derecho a estar armado en defensa de la propiedad y la familia. No sorprende que de tiempo en tiempo éstos héroes regresen a las pantallas a desbaratar el mundo en nombre de la libertad.

En Gran Torino, el viejo Clint Eastwood vuelve a las andadas disfrazado de Walt Kowalsky, un veterano de la guerra de Corea, jubilado, viudo y amargado. Conserva el displicente rostro de Harry Callaham, sin la Mágnum 44 de antaño. En su reemplazo tiene un buen rifle, que marca la diferencia entre la vida propia y la ajena.

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Entre el 17 y el 19 de abril se realizará en Bogotá el World Cinema Fund Spotlight, con el apoyo del Instituto Goethe, en el que se proyectarán varias películas latinoamericanas que han sido apoyadas por el Fondo, creado por la Berlinale, en colaboración con la fundación de Cultura de Alemania, en octubre de 2004.

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La cámara, furtivamente, se asoma a la cárcel. En una ventana descubre al guardián de turno. Luego se marcha en busca de la reclusa que se despierta. Con su compañera de celda colgada de una viga. Bueno, lo hizo primero, quizás piensa la chica. Pero el mundo sigue. Registra los bolsillos del cadáver y encuentra lo que busca, un cigarrillo que en Alemania o el Caribe sigue siendo “el pucho de la vida”. Lo enciende y espera con calma a que lleguen los guardias. La muerta ya no tiene prisa; Jenny, tampoco.

Así comienza Cuatro minutos (Vier Minuten, 2006), la ópera prima de Chris Kraus, que ganó los premios a mejor película y a mejor actriz (Monica Bleibtreu) en los Premios del Cine alemán, y otras distinciones en su recorrido por diferentes festivales del mundo.

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Quería encontrarme de nuevo con el Che. No el de verdad, el pre-hippie de la moto vagando por Sudamérica, el que le dio por meterse de redentor en Guatemala hasta que los gringos dañaron la fiesta y le tocó jugársela por Cuba, pues revolucionario desempleado es candidato a reaccionario.

Quería encontrarme con el otro Che, el que apostaba su vida para que fueran felices los que no les había tocado, así sólo fuera adornando camisetas o cantando que esta tierra “es tuya, y mía y de aquel, de Pedro María, de Juan y José”. Por eso me metí al cine, para ver Benicio con cara de Che o, mejor dicho, al Che con cara de Hollywood (Che: Part One [Che: el argentino], 2008, dirigida por Steven Soderbergh). Nada difícil porque el Che fue todo un espectáculo.

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