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Estancias

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John Barry (Nov. 3/1933– Enero 30/2011)

cine > Estancias
Por: Lully

31 dAmerica/Bogota enero dAmerica/Bogota 2011 23:15 COT

Autora del Blog:  Reflexiones al desnudo. Twitter:  @lullyp
 
 
El séptimo arte ha sido engalanado por las elocuentes notas que, con frecuencia nos brindan las bandas sonoras, cuyas melodías,  penetran lo humano para atravesar los sentidos y el espíritu;  lLicencia CC. o cual suele ser un factor determinante para hacer eternas ciertas películas,  pero al mismo tiempo, eternizar a los creadores musicales. Precisamente hago alusión al autor que nos ha tocado fibras emocionales y que le ha dado vida a diversas películas, me refiero y resalto el legado de momentos y sensaciones de quien, reitero, ha compuesto parte de esa historia musical en el Cine,  el compositor inglés John Barry Prendergast  (Nacido en Yorkshire), quien falleció ayer lunes 30 de enero a consecuencia de un infarto cardiaco a sus 77 años de edad, cuando dirigía una orquesta en un estudio de grabación en U.S.A. (New York).
 
En 1962  se involucró en la primera etapa con las películas estelares de James Bond 007  y consolidó doce de sus bandas sonoras (B.S.O), con una salvedad de que la primera  (“Dr. No”), conserva la  autoría  de Monty Norman,  no obstante que Barry hiciera los arreglos y orquestaciones; repetida en todas las películas del agente secreto 007,  que lo lanzaron a la fama y lo pusieron  en la historia.
 
Entre sus creaciones  filmográficas  como compositor figuran  El Knack y cómo conseguirlo (1964), Zulú (1964), Cowboy de medianoche (1969), María, reina de Escocia (1971), Robin y Marian (1976), Cotton Club (1984), Peggy Sue se casó (1986), Chaplin (1992) y Enigma (2001).  Además, hizo creaciones para series de televisión.  En los cuales se evidenciaba su estilo diferenciador, es decir, cuando la gente escuchaba una de sus piezas, casi de inmediato sabían identificar su autoría,  su sello propio característico con instrumentos de viento-metal,  contra-melodías sinfónico – jazz, de bronce en alza y cadenas de barrido. 
 
En sus últimos días estuvo trabajando para nuevas películas de la saga como   asesor del compositor David Arnold. Quien confirmó su deceso en Twitter  (@davidGArnold)  y dijo "Estoy profundamente triste por la noticia, pero también profundamente agradecido por todo lo que hizo por la música y por mí personalmente".
 
Sus motivaciones tuvieron base en sus progenitores, pues su padre dirigió una cadena de cines y su madre fue pianista. Barry se formó también como pianista clásico, pero centró su atención en el  jazz. Tocó la trompeta en el ejército, y en la década de 1950 formó el grupo de jazz-rock de la John Barry Seven;  para luego  empezar en la clásica, para adentrarse en el jazz y en el pop.
 
 
Premios y reconocimientos destacados
  • Fue honrado con la Orden del Imperio Británico en 1999 por sus servicios a la música.
  • En 2002 fue nombrado Freeman de Honor de la Ciudad de York, un honor que recibió en una sala en la ciudad en la que una vez utilizado para tocar la trompeta en la década de 1950
  • Ganó cuatro premios Grammy, un premio BAFTA  por El león en invierno y un Globo de Oro por Memorias de África.
  • Hoy es reconocido como el  "genio de las bandas sonoras".   Título merecido por tantos logros obtenidos, entre los cuales se destacan los cinco premios Oscar por sus B.S.O. para Memorias de África, Bailando con lobos, El león en invierno y Nacida libre (mejor canción y mejor banda sonora).
 
Otros Comentarios de allegados,  expuestos por la BBC
 
David Arnold expresó una frase con la que muchos de sus seguidores en se identificaron en comentarios diversos en los medios virtuales “Es imposible separar de James Bond la música de John Barry. Se fueron de la mano. Él fue capaz de mostrar la amenaza, la sensualidad, la agresión y la emoción…”
Michael Crawford, un amigo cercano escribió  "creador de algunas de las bandas sonoras más memorables y bellas que jamás podría desear escuchar".
Simon Jack, yerno de Barry, ha afirmado que su suegro "amaba realmente componer música, tanto como la gente disfrutaba al escucharla". "Él se consideraba tanto un dramaturgo como un compositor, y su música está inextricablemente unida a las historias que se cuentan en la pantalla",  "El cine parecía poner de manifiesto lo mejor de él, era capaz de captar el estado de ánimo de una escena o una película entera por el genio de la orquestación con instrumentos bastante convencional".
 
Entre sus parientes más próximos quedan su cuarta esposa de 33 años (Laurie),  cuatro hijos y cinco nietos. Sin embargo, me uno al sentimiento también cercano de  millones de personas que igual nos hemos sorprendido por su partida de estas coordenadas terrenales porque estamos  identificadas con el legado que nos ha dejado y que hoy, con este pequeño homenaje,  me ha impulsado a decirle desde esta revista digital:  Tus melodías siguen tocando mis fibras y extasiando mis sentidos y con ello, quedarás por siempre entre nosotros querido John Barry, Q.D.E.P.

Pecados de mi padre

cine > Estancias
Por: Catalina Umaña

24 dAmerica/Bogota noviembre dAmerica/Bogota 2009 0:00 COT

Por primera vez en la pantalla vemos un giro distinto a la historia que ya todos los colombianos conocemos de Pablo Escobar. A Nicolás Entel, director de Pecados de mi padre, se le ocurrió el nuevo enfoque para hacer el documental a partir de la idea de un amigo colombiano. Poco tiempo después pensó en hacer posible lo imposible: reunir a Sebastián Marroquín (nombre que adquirió el hijo de Escobar después de huir de Colombia en el 1993)  con los hijos de Rodrigo Lara Bonilla y Luis Carlos Galán con miras a lograr la reconciliación entre ellos. Con esta idea en mente, Entel se propuso a que la historia de Pablo Escobar fuera narrada por el hijo de Escobar y así mismo enviar el mensaje al pueblo colombiano sobre la importancia del perdón en el proceso de paz.

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Efectos personales

cine > Cineclub > Estancias
Por: Marsares

10 dAmerica/Bogota noviembre dAmerica/Bogota 2009 9:24 COT

Los seres humanos estamos condenados a olvidar. Por eso nuestra vida se reduce a conservar todo lo que nos demuestra que existimos. Un juguete, una canción, los rastros de una mirada, el sabor de una piel, esquinas de ciudad, cachivaches, cataclismos, colores, miedos, todos ellos convertidos en despojos de nuestra historia, que vamos acumulando en pilas desordenadas, de cuando en vez visitadas para remendar el presente, en busca de las explicaciones que nos aclaren las razones del por qué somos lo que somos. Pero a veces esta colcha de retazos nos impide pernoctar en el presente, convirtiéndolo en un rehén del pasado. De esto se trata Efectos personales (ver trailer).

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La sangre y la lluvia

cine > Cineclub > Estancias
Por: Marsares

2 dAmerica/Bogota noviembre dAmerica/Bogota 2009 9:23 COT

Si alguna palabra puede resumir a La sangre y la lluvia (ver trailer) de Jorge Navas es soledad. En una ciudad oscura, poblada de seres anónimos, con su vida al filo del desastre, cada quien vive su propio infierno sin derecho a redención. La noche es su punto de encuentro; en ella sobreviven, se reproducen y mueren sin remedio en sus laberintos, tan solos como alguna vez llegaron a este mundo de sombras, jugando su vida al azar, pero “la moneda cayó por el lado de la soledad”, como diría Andrés Calamaro.

No hay escapatoria. Ni la lluvia incesante que escarba todos los rincones de esta ciudad sin dolientes, buscando lavar sus culpas, ocultar sus miserias, disfrazar sus miedos, alcanza para salvarlos. Al final, apenas funge como plañidera, al igual que aquellas lloronas de antaño pagadas para acompañar al difunto con sus lágrimas de carnaval.

Jorge (Quique Mendoza), un taxista que vive el duelo de su hermano asesinado, y Ángela (Gloria Montoya), una bella mujer que entre la perica, el alcohol y la rumba quiere vivir al día para escapar de su pasado, se encuentran en una calle inventada por la ciudad para perdedores como ellos, quizás porque alguien en alguna parte echó los cartas para darles ocasión de refundir su soledad en el otro. No pueden escapar al desastre porque ellos son el desastre mismo, lo llevan larvado en la piel y sólo es cuestión de horas para que lo comprueben.

En seis horas de una noche que a veces parece interminable, Jorge Navas nos introduce por su puerta particular a este universo que vislumbró de la mano de Andrés Caicedo y en algún momento Ángela nos recuerda a la María del Carmen de Viva la música, aquella rubia que sumergida en la rumba quería sorberse la vida para escapar a su propia muerte. Cine negro que nos recrea la Bogotá noctámbula, ahogada en las angustias de una violencia que para bien o para mal se convirtió en una realidad tan normal que desbarajusta nuestra indiferencia.

La “sangre y la lluvia” es la ocasión perfecta para fungir como voyeristas de una Bogotá que presentimos pero que tememos encontrar.

El director habla sobre la película

Para Navas, esta película es un extraño homenaje a Bogotá, a su noche y a los seres nocturnos que la recorren. Es un filme para los que aman manejar bajo la lluvia y perderse entre los laberintos de sí mismos.

"La película habla de la soledad de las calles, de las almas solitarias que salen a desafiar la noche buscando ese algo intangible que puede llamarse amor , evasión, dinero, rumba o a veces la muerte misma", comenta el director.

Él se considera un explorador de la ciudad, de todas en general. Por eso, dice que "Bogotá tiene su belleza especial y su propia oscuridad. De ello he querido hablar, de ello he querido hacer una película, colocando la cámara desde el punto de vista de un taxista joven, errante e introvertido y de una hermosa chica, inteligentemente loca y con una felicidad suicida".

El director se pregunta "¿Cuántos de nosotros alguna vez no hemos querido salir como poseídos a perdernos en la noche, ya sea para escapar de un desamor, ya sea por una tristeza o una alegría infinita que nos supera o simplemente para romper la abrumadora rutina. Todos lo hemos hecho, en compañía o en el anonimato".

Un road movie urbano protagonizado por un taxista joven, nihilista y pensativo y una dueña de la noche, cuestionada y necesitada de la soledad y de la sordidez. (http://www.flickr.com/people/lasangreylalluvia/)

La bicicleta de Pekín

cine > Cineclub > Estancias
Por: Marsares

7 dAmerica/Bogota octubre dAmerica/Bogota 2009 4:07 COT

La República Popular China cumple 60 años y pese al rígido régimen político que la gobierna, la apertura económica al mundo que inició Deng Xiaoping termina por afectar distintos aspectos de la vida cotidiana, y sus expresiones, entre ellas el cine.

En tiempos de Mao, el realismo socialista hizo de las suyas. Las cintas de aquella época, hoy reducido su valor al de simple curiosidad, sólo servían para ensalzar al “Gran timonel”. Recuerdo una, cuyo nombre se me escapa, sobre el desarrollo de una lancha rápida. Los fracasos continuos de los ingenieros fueron solucionados al guiarse por las Cinco tesis filosóficas de Mao. Una vez aplicadas al prototipo, el éxito se aseguró.

En El hombre de Maisinicú (1973), basada en hechos reales, Cuba también dio cuenta de la importancia de glorificar a los héroes de la revolución, en este caso un agente de la seguridad infiltrado en las filas contrarrevolucionarias que en 1964, en Escambray, sembraban el terror. Su muerte es glorificada por haber contribuido a la consolidación del socialismo. A diferencia de China, los proyectos cinematográficos cubanos son de calidad y constituyen un aporte importante a la cinematografía latinoamericana.

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11 Muestra internacional documental – Memorias a la medida

cine > Cineclub > Estancias
Por: Marsares

6 dAmerica/Bogota octubre dAmerica/Bogota 2009 7:26 COT

Aunque existen las obvias manipulaciones, el discurso político de pancarta, la pornomiseria o el simple experimento para gusto del propio director, el cine documental es un testimonio de primera mano sobre la realidad del mundo.  De ahí que la 11 Muestra internacional documental – Memorias a la medida, que se realizó entre el 18 de septiembre y el 3 de octubre de 2009 en varias salas de cine de Bogotá (durante tres meses estará como muestra itinerante en  Manizales, Medellín, Santa Marta, Popayán, Neiva, Bucaramanga, Yopal, Cúcuta, Armenia y  Cali), sea una oportunidad para alejarnos de la parroquia y conocer la diversidad que causa tanto escozor en los países fundamentalistas, incluido el nuestro.

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Los idiotas

cine > Cineclub > Estancias
Por: Marsares

11 dAmerica/Bogota septiembre dAmerica/Bogota 2009 21:30 COT

También conocida como Dogma 2, Los idiotas (Idioterne, 1998), dirigida por el danés Lars Von Trier, se constituye en la segunda película realizada bajo los postulados de Dogma 95. Aunque transgrede algunas de sus reglas (por ejemplo, saltos en el tiempo y su filmación en video), en lo fundamental respeta la deliciosa técnica retro que le imprime una atmósfera especial a la historia.

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Dogma 95

cine > Cineclub > Estancias
Por: Marsares

8 dAmerica/Bogota septiembre dAmerica/Bogota 2009 20:19 COT

Los adelantos técnicos alcanzados en el cine han transformado su narrativa y su propia estética. Hoy todo es posible. Aparte de los tradicionales filtros, trucos de iluminación o sets que simulan locaciones, se han unido los efectos especiales y la edición en computador que hacen posible llevar a la pantalla cualquier cosa que se imagine por más fantástica que ella sea. Empero, su abuso muchas veces ha convertido estos medios en fines en sí mismos, colocando la historia en un plano secundario.

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Celebración

cine > Cineclub > Estancias
Por: Marsares

8 dAmerica/Bogota septiembre dAmerica/Bogota 2009 20:18 COT

Dirigida por Thomas Vinterberg, esta es la primera película de Dogma 95 y quizás la mejor película del movimiento. Galardonada en Cannes (1998) en la categoría Premio del jurado, es una crítica a la sociedad danesa, a la hipocresía de sus élites, al mundo perfecto que se proyecta al exterior, mientras en su interior subyacen vicios, temores, frustraciones, abusos, discriminación, que todos quieren ocultar bajo el disfraz de la opulencia.

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Una historia perdida entre vestidos

cine > Cineclub > Estancias
Por: Isabel Cristina González R.

20 dAmerica/Bogota mayo dAmerica/Bogota 2009 16:08 COT

Locaciones imponentes, trajes milimétricamente diseñados, infinidad de detalles glamorosos y, por supuesto, una fotografía cuidadosa y una banda sonora estilizada, le dan vida a otra historia cinematográfica inspirada en la nobleza inglesa. Basada en la premiada biografía Georgiana, Duquesa de Devonshire de Amanda Foreman, esta película escrita, dirigida, interpretada y producida por ingleses, evoca la industria del heritage cinema que surgió en la década de los años ochenta y proveyó de grandes éxitos comerciales a la Gran Bretaña.

Dentro de este tipo de películas en las que predominan las descripciones de trajes, arquitectura y modo de vida de épocas pretéritas de la Inglaterra colonial, son especialmente recordadas las adaptaciones de las obras literarias de E. M. Foster como Habitación con vista (A Room with a View, 1985) y Maurice (1987), realizadas por el ya octogenario James Ivory, asimismo autor de Lo que queda del día (The Remains of the Day, 1993) y Howards End (1992).

La Duquesa (The Duchess, 2008), como todos estos filmes, evidencia con esmero el esplendor visual del pasado pero termina por ser un relato simple y predecible, por eso es ante todo una película bella, agradable a la vista, pero que no conmueve. Pareciera que tanto el joven director Saul Dibb como el experimentado reparto, e incluso las productoras Pathé y BBC, reprodujeron nuevamente los aspectos más románticos e idealizados del estilo de vida inglés, que ha sido una de las características de este tipo de producciones, pero desperdiciaron la trágica y robusta historia de la verdadera Georgiana Spencer.

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